Violonchelo barroco

Orígenes e historia del violonchelo barroco

El violonchelo barroco es un instrumento esencial de los siglos XVI y XVII. Con el advenimiento del período clásico en el siglo XVIII, gradualmente dio paso al diseño moderno que prevalece hasta hoy.

El bajo de violín de 1550 poseía 4 o 5 cuerdas con una dimensión entre 79 y 86 cm. Un siglo después nacieron los primeros cellos, comprendidos entre 77 y 80 cm. Uno de los modelos célebres estaba representado por el Médici de 1690, midiendo 79,25 cm. Fabricados en 1701, el Servais y su fondo de 78,2 cm también eran conocidos. La Forma B piccola di violoncello de 1710 comenzó la universalización de las cuatro cuerdas con sus 75,5 cm.

Con el tiempo, numerosos bajos de violín y violonchelos de gran tamaño fueron modificados. Para responder a las exigencias musicales cambiantes, el mástil fue inclinado hacia atrás y el puente alargado. También se introdujeron nuevas barras armónicas y almas. Estas modificaciones contribuyeron a la evolución del sonido y la tocabilidad de estos instrumentos.

Lugar del violonchelo barroco en la cultura

Inicialmente utilizado para acompañar las líneas de bajo, el violonchelo barroco rápidamente se dotó de un repertorio rico y variado. Jugó un papel importante en los conciertos de Vivaldi, las composiciones de Boccherini y las Suites de Bach. Sin embargo, este repertorio es más restringido debido a su gama limitada. Numerosas obras de la época son hoy interpretadas en cellos modernos.

El instrumento no posee un festival que le esté totalmente dedicado. Su música es, sin embargo, honrada durante el Cello Fan. Este evento gira alrededor del universo del violonchelo y reúne diversos talentos de los cuatro rincones del mundo. Diversos conciertos rinden homenaje al período barroco, pero los músicos no utilizan específicamente el instrumento.

Funcionamiento del violonchelo barroco

Su emisión sonora del violonchelo barroco resulta de la vibración de sus cuatro cuerdas, que luego es amplificada por su cuerpo hueco. Puede efectuarse de dos maneras: ya sea por pulsación con los dedos, o mediante el uso de un arco. En intervalo de quinta, sus cuerdas se afinan del más grave al más agudo en do, sol, re y la. Estas notas se transponen a una octava más baja que la viola.

¿Cómo tocarlo?

Los músicos buscan permanecer fieles al espíritu de la época barroca, adaptando al mismo tiempo su ejecución al conocimiento contemporáneo.

El instrumento se mantiene entre las piernas del intérprete, en una orientación vertical. Este método de sujeción influye en su proyección sonora, calificada de “horizontal”. El hecho de que la parte superior del torso se mantenga a cierta distancia del diapasón complica la visualización de la mano izquierda. Las notas agudas son especialmente difíciles de ver sin inclinar la espalda. Esta posición no permite una postura completamente relajada, limitando así los movimientos.

El destacado representa una de las primeras técnicas de arco enseñadas a los principiantes. Este método se caracteriza por su cambio de dirección para cada nueva nota tocada. Para ejecutarlo, el instrumentista debe mantenerlo en contacto con la cuerda sin levantarlo.

La ornamentación es un aspecto fundamental de la música barroca, enriqueciendo las líneas melódicas y añadiendo una dimensión expresiva a la interpretación. Comprender y aplicar los estilos específicos de cada tradición nacional es crucial para una interpretación auténtica.

El trino, que data del siglo XVI, es sin duda el ornamento más reconocido. Implica una sucesión rápida entre dos notas adyacentes, separadas por un tono o un semitono. Su notación ha evolucionado, pasando de una coma o pequeña onda a la abreviatura “tr” seguida de una línea ondulada. Comienza por la nota escrita para alternarse con la que está directamente superior.

El mordente o pellizco se caracteriza también por la alternancia entre dos notas vecinas. Sin embargo, dos aspectos lo distinguen del trino. Solo se ejecuta con un golpe. El ornamento comienza por la nota inferior.

La apoyatura está representada por una pequeña nota que precede a la nota principal. Añade una expresividad particular al retrasar esta última, creando así una anticipación. Su duración puede equivaler a la mitad, o incluso más, de esta nota.

El gruppetto es un poco más complejo con sus cinco notas incluidas. Su símbolo se parece a una “S” alargada, indicando el motivo melódico del ornamento. Consiste en partir de la nota principal, subir, bajar y luego volver a la inicial.

El vibrato se realiza modificando delicadamente la altura de la nota tocada mediante un movimiento de pivote del dedo. Este último crea entonces una vibración.

El spiccato se distingue por el rebote ligero y controlado del arco sobre la cuerda. El accesorio se levanta entre cada nota.

La técnica de la doble cuerda asegura un contacto equilibrado entre las dos cuerdas. El número de crines que las frotan debe ser similar.

En cuanto al pizzicato, se traduce en el pellizco de las cuerdas por los dedos.

¿Cómo se conserva la música?

Su notación utiliza el estilo contemporáneo. Todas las reglas del solfeo son válidas. El pentagrama se rige por la clave de fa, situada en la cuarta línea.

• El tempo instaura el ritmo subyacente a toda pieza, cuya pulsación define la longitud de las notas y los silencios.
• La duración de las notas va de la cuadrada a la semifusa. Las figuras de silencio corresponden a los períodos de las notas, permitiendo marcar las pausas y respiraciones en la música.
• La adición de un punto prolonga la nota de la mitad de su valor. La ligadura combina los tiempos de varias notas. El calderón deja al músico la libertad de continuar la nota mucho más allá de su valor escrito.
• Los sostenidos aumentan las notas en un semitono y los bemoles las disminuyen. Los becuadros, que anulan las alteraciones previas, juegan un papel clave en la precisión de la entonación y la riqueza armónica de las piezas interpretadas.
• Los compases estructuran la partitura y guían la interpretación.
• Los matices, de pianississimo a fortississimo, indican el volumen sonoro e influyen en la expresión de la intensidad emocional.
• Las barras de repetición y los recuadros funcionan como instrucciones para repetir ciertas secciones de la música.

Otros símbolos mencionan técnicas específicas del violonchelo. El “tirar” y el “empujar” orientan la dirección del arco. El resto muestra el pizzicato, el arco, el trémolo y los armónicos.

Ajuste y mantenimiento del violonchelo barroco

El instrumento debe colocarse frente a uno, entre las rodillas. La afinación del violonchelo barroco requiere una herramienta: un diapasón, un afinador o un Smartphone.

Primero hay que aflojar la clavija girándola, para reducir su tensión contra el clavijero. Esta acción se efectúa en sentido contrario a las agujas del reloj, de frente. Se recomienda aumentar la tensión de la cuerda hasta alcanzar la nota deseada. La aplicación minuciosa de jabón o tiza mejora la adherencia de la clavija. Para finalizar la afinación, esta última será empujada suavemente en el clavijero.

El mantenimiento regular del violonchelo es esencial para preservar su calidad sonora y longevidad. Una inspección anual por un lutier permite detectar problemas invisibles a simple vista como las fisuras. La tasa de humedad debe mantenerse entre 40 y 60% en la habitación donde se conserva el instrumento.

La limpieza después de cada uso retira el polvo de colofonia. Hay que asegurarse a menudo de que el puente está bien colocado y no se ha despegado de la tapa armónica.